Recensioni album: Brian Eno | Semi di fulmini | Poster dipinti

Brian Eno PIC: Cecily Eno

Brian Eno: Foreverandevernomore (UMC) ***

Lightning Seeds: Ci vediamo tra le stelle (BMG)***

Vernici per poster: Vernici per poster (Ernest Jenning Record Co./Olive Grove Records) ***

Eno parla! O meglio canta… Mentre i suoi ex compagni di band dei Roxy Music celebrano il loro giubileo d’oro con un lunatico tour delle loro ultime pagine, Brian Eno è, come per, in un altro mondo sonoro, considerando questo sempre più fragile. In quanto tale, il suo 22esimo album da solista richiede alcuni testi per esprimere la sua risposta alla crisi climatica. Definisce il suo primo album vocale dal 2005 Another Day On Earth del 2005 come “paesaggi, ma questa volta con gli umani al loro interno”.

Foreverandevernomore è una meditazione sui tempi precari, sulla necessità di cambiare non solo il nostro modo di pensare al pianeta ma, forse più efficacemente, i nostri sentimenti nei suoi confronti. In quel contesto, il titolo dell’album simile a un mantra suona come una nota di avvertimento: non possiamo continuare a vivere come se la Terra fosse infinita.

Questa non è una lezione pesante, ma un ecosistema sonoro equilibrato, che concilia paesaggi sonori rilassanti con lamenti lirici per l’ambiente. Eno offre la malinconica preghiera Who Gives A Thought con una voce dolce e piena di sentimento su un beato vortice digitale. We Let It In inizia con un respiro minaccioso, prima di mettere a confronto il lugubre baritono di Eno con il soprano fluttuante di sua figlia Darla. Tiene una canzone monastica per uno su Garden of Stars e chiede “chi siamo?” sulla canzone ambient della torcia Icarus o Blériot – stiamo volando troppo vicino al sole o stiamo uscendo con fede?

La scintillante e ribollente Inclusion è l’unico intermezzo strumentale dell’album, seguito da una delle tracce più toccanti. There Were Bells, creato con il fratello Roger, delinea una visione fin troppo familiare del paradiso planetario che diventa un inferno apocalittico con Eno che si lamenta “c’era chi scappava, c’era chi doveva restare… alla fine se ne andarono tutti stessa strada”. Offre quest’ultima osservazione elegiaca in chiave minore irrisolta.

Ian Broudie di The Lightning Seeds

La maggior parte delle tracce dell’album pesano intorno ai quattro-cinque minuti, proporzioni quasi pop, ma l’odissea di chiusura Making Gardens Out of Silence è di otto minuti di atmosfera squillante con una Darla autosintonizzata che entra e esce mentre la musica inizia ad assomigliare a un pastorale neoclassica.

La leggenda del Liverpool Ian Broudie si preoccupa anche dell’equilibrio sul primo nuovo Semi di fulmine album tra 13 anni. See You In The Stars è una micro, non una macro, una ricerca personale di equilibrio emotivo, che utilizza le delicate ma allegre battute melodiche dell’indie pop di Broudie come veicolo per affrontare i problemi di salute mentale: la sua stessa propensione per gli stati d’animo bassi e il classico foraggio del cantautore angoscia di relazione I suoi collaboratori includono James Skelly di The Coral e il frontman degli Specials Terry Hall, che è stato schietto sulla sua depressione nel corso degli anni e ha una forma pop pastorale in The Colourfield e come co-autore del primo successo dei Lightning Seeds, Lucky You.

Great to Be Alive è una nota cautamente ottimista per se stessi piuttosto che una celebrazione fiduciosa, ma Sunshine è una fanfara positiva più sicura per un nuovo giorno. Green Eyes fa riferimento all’aggressivo hookline del classico Pure di Lightning Seeds per produrre una sorta di sequel delle sue speranze giovanili, Permanent Danger è un appello più catartico con presagi profondi esplosioni di ottone, mentre la title track di chiusura è un tributo agrodolce a un positivo amico che è morto.

Poster dipinti è un nuovo gruppo formato e nutrito durante il blocco dalla frontwoman dei Teen Canteen Carla J Easton e Simon Liddell dei Frightened Rabbit e Olympic Swimmers. Easton porta la sua caratteristica interpretazione scozzese del pop di gruppo femminile al loro debutto omonimo, con lo stickman di Chvrches Johnny Scott che fornisce la batteria di Phil Spector e la malinconica voce ospite di Lomond Campbell. La scintillante ballata indie Not Sorry è la Mary Chain senza distorsione, mentre il sedicente scoppio orchestrale Circus Moving On è un’opportunità per dipingere su una tela più grande.

Poster dipinti

Steve Reich: Runner | Musica per Ensemble e Orchestra (Nessuno) ****

La produzione musicale di Steve Reich è stata un continuum di lunga data, in cui l’essenza cambia a malapena ma il fascino persiste grazie alla contagiosità del suo minimalismo sbarazzino. Quindi queste registrazioni di debutto di Runner (2016) e Music for Ensemble and Orchestra (2018), suonate dalla Filarmonica di Los Angeles sotto la direzione finlandese Susanna Mälki, sono in una certa misura più o meno le stesse, ma anche una gradita opportunità per ascoltare Reich di nuovo. Aiuta che le prestazioni siano nitide e intelligenti. Mälki lascia che lo slancio motorizzato faccia il suo dovere naturale, contro il quale le gradazioni metamorfiche del colore, gli improvvisi ritorni dinamici, i tortuosi fili melodici, soddisfano le loro funzioni di formazione del carattere. Questo è vero per Runner, un’opera palindromica in cinque movimenti su impulso, come lo è per Music for Ensemble and Orchestra, che flirta con i principi del concerto grosso barocco. È come un viaggio meraviglioso verso il nulla in particolare. La diversione insensata incontra il rinvigorimento sonoro. Ken Walton

Simon Kempston: Non puoi vincere ogni volta (record di autoritratto) ****

Il cantautore Simon Kempston esercita un certo, strano fascino. La sua voce fragile e piena di rimprovero fornisce racconti e ammonimenti morali a volte criptici, accompagnata dai suoi agili accompagnamenti di chitarra ispirati a Jansch e occasionalmente affiancata dalla agile chitarra elettrica di Lars Rune Rebbestad, come in Stand Firm As One. C’è una combinazione di tensione e malinconia in queste canzoni, non da ultimo nella title track, anche se dà il suo slogan pieno di enfasi sul violino malinconico di Kirsty Miller. Altrove le meditazioni malinconiche di Kempston viaggiano grazie allo schiaffo della sua chitarra e alle discrete percussioni di Rory MacDonald, portando la lamentosa domanda su What Good Could He Do o il commento ironico di Pauper’s Payday, mentre A Tale of Two Unions è un indignato disfacimento di una collaborazione ineguale all’interno il Regno Unito. Quello che ci saremmo persi si rivela un’approvazione costantemente malinconica dalla musa di Kempston – enigmatica e stanca del mondo forse, ma solo a volte redentrice. Jim Gilcristo

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