L’artista Ho Tzu Nyen scava attraverso strati di storia per creare la sua versione della realtà

Potrebbero essere riflessioni sulla nuvola amorfa che rimandano alle opere di maestri europei come Francisco de Zurbarán, Gian Lorenzo Bernini e René Magritte esposte al Padiglione di Singapore per la 54a Biennale di Venezia, un cenno a “L’incredulità di San Tommaso” di Caravaggio e il suo uso del chiaroscuro, o un video che inizia con un libro, fonte di conoscenza, che cade, facendo così eco a come Isaac Newton scoprì la legge di gravità dopo aver visto una mela cadere da un albero. Al di là delle influenze storico-artistiche, ci sono temi di controllo, potere e resistenza nelle scene di un uomo che suona furiosamente il pianoforte con una mano guantata di bianco sulla testa, in cui a volte sembra che la mano stia spingendo la testa e altre volte che la testa muove la mano, in un ritratto del pianista Glenn Gould, dove possiede la musica tanto quanto la musica possiede lui.

Affrontando argomenti così diversi, la poliedrica pratica di Ho Tzu Nyen che spazia dal cinema, alla pittura, all’installazione, alla performance e alla scrittura è così complessa che a volte trova difficile spiegarla lui stesso. Mettendo insieme diversi materiali d’archivio, inietta elementi fantastici per creare nuove narrazioni storiche, che ha mostrato ai festival cinematografici di Venezia, Cannes, Sundance e Berlino, al Guggenheim di New York, al Mori Art Museum di Tokyo e al Museum of Contemporary Art Busan .

Nel suo meta-progetto decennale “The Critical Dictionary of Southeast Asia” che continua ancora oggi ad espandersi, l’artista con sede a Singapore considera le innumerevoli definizioni dei molti territori che formano questa regione non unificata da lingua, religione o potere politico. Presentato come un’esperienza multisensoriale, il suo dizionario fa parte di un database di testi, musica e immagini online, in cui un algoritmo raccoglie e fonde vari suoni e immagini per creare un abecedarium, sviluppato per la prima volta durante la residenza presso l’Asia Art Archive di Hong Kong. Ogni volta, il suo intento è quello di portare il pubblico in un viaggio di nuove scoperte e interpretazioni per mettere in discussione le loro convinzioni e supposizioni.

All’inizio dell’anno, Ho ha offerto agli spettatori nuovi modi di percepire la sua arte attraverso “Visions”, una mostra interattiva di realtà aumentata (AR) all’aperto di fronte alla National Gallery. Commissionato appositamente da Acute Art per il Light to Night Festival nel Civic District di Singapore, ha segnato la prima volta che lo studio di produzione artistica AR ha presentato il lavoro di un artista di Singapore nel suo roster internazionale, insieme a artisti del calibro di Tomás Saraceno, Cao Fei, Olafur Eliasson, Alicja Kwade e KAWS. Inoltre, Ho ha partecipato alla mostra collettiva “Lonely Vector” al Singapore Art Museum sulle linee, le infrastrutture e le reti che attraversano il globo che riflettono una distribuzione irregolare, e “To Where the Flowers Are Blooming”, un mostra speciale durante la Biennale di Venezia 2022.

Sei nato a Singapore nel 1976. Raccontami dei tuoi genitori, della tua infanzia e di come ti sei avvicinato all’arte.

Entrambi i miei genitori erano dipendenti pubblici. Mio padre lavorava per l’Housing Development Board e mia madre lavorava per l’esercito. Ho ancora un ricordo molto forte dei cantieri e delle bonifiche dove lavorava mio padre. A quei tempi amava guardare i film e portava me e mio fratello maggiore a vedere tutto. Mio fratello maggiore, che ora è un architetto, mi ha esposto a musica e libri interessanti quando ero piuttosto giovane. Ma non ho avuto contatti con le belle arti fino a quando un giorno ho letto per caso un libro su Marcel Duchamp. Quindi è stato davvero il primo artista che mi ha impressionato.

Sei stato selezionato per rappresentare Singapore alla 54th Biennale di Venezia nel 2011. Quali sono state le tue ispirazioni per “The Cloud of Unknowing”, l’opera epica che hai esposto?

“The Cloud of Unknowing” probabilmente è iniziato con il mio incontro con un bellissimo libro chiamato Una teoria della /nuvola/: verso una storia della pittura del filosofo e storico dell’arte francese Hubert Damisch, che ripercorre la storia dei dipinti di nuvole nella storia dell’arte occidentale. In qualche modo sono diventato ossessionato dall’idea di trasformare la mia esperienza di lettura di quel libro in una sorta di dramma che si svolge all’interno di una proprietà a basso reddito a Singapore. Questa mescolanza di elementi incongrui potrebbe essere una strategia ricorrente nei miei diversi lavori.

Parlami del tuo progetto in corso “The Critical Dictionary of Southeast Asia” e di come la tua comprensione di ciò che costituisce l’unità del sud-est asiatico si è evoluta nel corso degli anni.

“The Critical Dictionary of Southeast Asia” (2012-oggi) era iniziato con una domanda piuttosto semplice: cosa costituisce l’unità del sud-est asiatico, una regione che non è mai stata unificata per lingua, religione o potere politico? Per me rispondere a questa domanda richiede un atto compositivo… un’attività artistica.

Descrivi la tua commissione per la mostra in realtà aumentata “Visions” che faceva parte del Light to Night Festival a Singapore.

“Lingua” è un pezzo in AR. Ascoltiamo una selezione di tre testi di tre filosofi giapponesi in tempo di guerra della cosiddetta Scuola di Kyoto. Questi tre testi sono impostati su diverse condizioni visive tra cui il nulla, un prigioniero politico in decomposizione e un “mecha” (un robot nel gergo degli anime). Ho deciso di intitolare il lavoro “Lingua” perché sembra che l’AR funzioni tende a tenersi lontano dal regno del linguaggio.

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